La presencia de la comunidad latina en el cine y la televisión estadounidenses sigue aumentando, pero no sucede necesariamente lo mismo con los trabajos en nuestro idioma que provienen de territorios donde predomina el habla hispana, y cuyo paso por las salas locales es todavía insuficiente.
En ese sentido, la presente lista, mostrada en orden descendente de preferencia, no es tanto un acto de vanidad como un intento para que el lector se aproxime a propuestas que pasaron probablemente desapercibidas ante sus ojos durante el calendario que se termina. Casi todas se encuentran disponibles actualmente en plataformas de suscripción o en Video on Demand dentro de los Estados Unidos.
Solo incluimos estrenos en cines de Los Ángeles desde el mes de enero hasta el de diciembre, lo que nos lleva a mencionar ocasionalmente a cintas que se lanzaron mucho antes en sus países de origen y a omitir otras que vienen llamando mucho la atención pero que no se han visto todavía por aquí, como es el caso de “Tótem”, la apuesta mexicana por los Premios de la Academia que acaba de ser incluida en la “lista corta” dentro de la categoría de Mejor Película Internacional.
LOS DELINCUENTES / THE DELINQUENTS (Argentina, Brasil, Chile y Luxemburgo)
Disponible en MUBI (con suscripción) y de venta en otras plataformas
Esta cinta, que era la apuesta de Argentina para la categoría de Mejor Película Internacional de Oscar y que acaba de ser omitida en la “lista corta”, merecía mucha más suerte en dicha contienda. Pero eso no le quita ni una pizca de valor a un trabajo que se encuentra al mismo nivel o es incluso mejor que varios de los que resultaron nominados.
El problema por aquí en términos de consumo popular es que, con sus tres horas de duración, el tercer largometraje de Rodrigo Moreno (“El Custodio”) demanda una paciencia particular por parte del espectador. La sensación puede verse incrementada en la segunda parte del filme, cuando las situaciones adquieren un tono mucho más relajado. Pero eso no quiere decir que “Los delincuentes” sea aburrida, ni mucho menos.
Es, de hecho, un brillante drama con inesperados y placenteros toques de comedia que sorprende constantemente y que, en medio de sus claras tendencias intelectuales, mantiene la simpleza y la cotidianeidad en las conversaciones entabladas por sus personajes. Se inicia de hecho como una historia bastante tradicional, sobre un empleado de banco (Morán, interpretado por Daniel Elías) que decide robar una fuerte suma de dinero y que entra luego en complicidad con un compañero de trabajo (Román, interpretado por Esteban Bigliardi) para que este oculte el botín hasta que él mismo salga de prisión luego de entregarse voluntariamente a las autoridades.
Sin embargo, a partir de ahí, Moreno nos lleva por un larguísimo pero fascinante viaje introspectivo y geográfico que adopta alternativamente los puntos de vista de sus personajes principales con la finalidad de demostrar que hasta los sujetos más anodinos y convencionales de la sociedad urbana pueden empezar a brillar si se los saca de su monótono entorno. Por otro lado, la introducción de elementos cada vez más extraños en la narrativa insinúan la posibilidad de que el relato requiera de una lectura mucho más profunda de la que se esperaba.
“Los delincuentes” se encuentra además llena de planos exquisitamente compuestos, de una banda sonora encantadora (hay mucho Pappo, mucho Piazzolla y algo de Bach) y de unas citas cinéfilas y literarias que nunca desentonan (como las alusiones directas al maestro del minimalismo cinematográfico Robert Bresson y al poeta de culto Ricardo Zelarayán).
1976 / CHILE ‘76 (Chile - Argentina)
Disponible para renta en diversas plataformas
Este filme chileno es no solo una producción creada esencialmente por mujeres (entre ellas, su directora y coguionista, su directora de fotografía, su directora de arte, su montajista, su diseñadora de vestuario y su sonidista), sino también una que pone al frente a un personaje femenino atípico en esta clase de historias.
Aquí, Carmen (Aline Kuppenheim) es una dama de cierta edad que pertenece a la clase alta, pero cuyos principios cristianos la llevan a aceptar la propuesta del cura local para proteger a Elías (Nicolás Sepúlveda), un insurgente herido que se encuentra en la lista negra de la dictadura pinochetista.
Más allá de la estupenda labor de la experimentada Kuppenheim, el realismo y la recreación de época son algunos de los puntos fuertes de una cinta cuya directora y creadora, Manuela Martelli, no había nacido cuando se dieron los hechos aquí narrados, y que contaba ya con una extensa carrera como actriz en la que se incluye su recordada participación en “Machuca” (2004).
Además de ofrecernos una mirada absolutamente creíble del fenómeno, Martelli nos introduce súbitamente y de manera particularmente lograda en unos terrenos del ‘thriller’ que no estarían fuera de lugar en un trabajo de Alfred Hitchcock, y que representan perfectamente la sensación de paranoia que se va generando en la protagonista mientras se involucra más y más con la resistencia.
CUANDO ACECHA LA MALDAD / WHEN EVIL LURKS (Argentina)
Disponible en Shudder y en AMC+ (ambas con suscripción)
Luego de dirigir y escribir “Aterrados” (“Terrified”), considerada con justicia como una de las producciones más espeluznantes de los últimos años, Demián Rugna abandonó los recintos estrictamente urbanos de sus cuatro películas anteriores para asumir aires rurales, incrementar las dosis de espanto y lograr una historia más redonda en “Cuando acecha la maldad” (“When Evil Lurks”), un largometraje contundente y perturbador que, por su parte, se encuentra entre lo mejor del terror cinematográfico de 2023.
Pedro (Ezequiel Rodríguez) y Jimmy (Demián Salomón) son dos hermanos de pueblo que, luego de enfrentarse a una serie cada vez más alarmante de sucesos sobrenaturales, empiezan a desplazarse a lo largo de la región que habitan con la finalidad de evitar un contagio relacionado a entidades malévolas.
Empleando una cámara nerviosa y movediza, creando un convincente mito de pueblo y recurriendo mayormente a efectos prácticos, Rugna logra una película que no se olvida fácilmente y que se siente plenamente argentina debido a la especificidad de sus locaciones y al comportamiento de sus personajes, pese a estar influenciada por la obra de autores como Clive Barker, Stephen King y Sam Raimi.
LA CIVIL (México / Rumanía / Bélgica)
Disponible para renta en diferentes plataformas
“La Civil” tiene al frente a una directora y guionista -la rumana radicada en Bélgica Teodora Mihai- y cuenta con un ama de casa separada de su esposo como protagonista. Pero Cielo (el nombre del personaje que es interpretado brillantemente por la experimentada Arcelia Ramírez, y que vive en un lugar indeterminado del norte mexicano) tendrá que lidiar con algo mucho más serio que las diferencias de pareja.
Y es que, en el transcurso del filme, la reciente madre soltera pone en riesgo su propia vida para encontrar a una desaparecida, más precisamente, a su hija adolescente, quien ha sido secuestrada por un cartel y cuyo paradero resulta cada vez más incierto.
Cielo, que pertenece a la clase media y no tiene conexiones con las altas esferas, empieza a asumir riesgos cada vez mayores al seguir de cerca a los criminales y convertirse en informante de la policía militarizada; y aunque sus aventuras desafían a veces la credibilidad -más allá de que el guión se haya inspirado en hechos reales-, Mihai se las ingenia para atrapar por completo al espectador a través de un relato donde se combinan el drama social, el ‘thriller’, el espionaje y las historias de ‘vigilantes’.
HUESERA / HUESERA: THE BONE WOMAN (México / Perú)
Disponible en Shudder (con suscripción) y para renta en otras plataformas
La cinta mexicana “Huesera” (“Huesera: The Bone Woman”) recurre inicialmente a una metáfora que no es novedosa (el proceso de maternidad como una especie de maldición); pero el guión escrito por Michelle Garza Cervera (también directora) y Abia Castillo apela a una serie de circunstancias específicas y a unos giros ciertamente impredecibles con la finalidad de lograr una identidad propia.
Valeria (magníficamente interpretada por la debutante Natalia Solián) es una joven mujer casada que ha logrado salir embarazada tras varios intentos fallidos y que se encuentra inicialmente sometida a unos dictámenes del patriarcado reforzados por las mujeres de su propia familia, en consonancia con los alcances reales de un machismo latinoamericano que no se limita a los hombres. Sin embargo, va liberándose poco a poco de las ataduras, incluso en términos de identidad sexual.
Pese a que esta es su ópera prima, Garza Cervera tiene sin duda mucho que ver con el excelente desempeño de la actriz principal, y su claro dominio del lenguaje cinematográfico -sobre todo en lo que respecta a la composición de encuadres- le permite estremecer al espectador sin necesidad de apelar a recursos visuales extravagantes. Los efectos especiales, respaldados por impactantes golpes de sonido, no dejan nunca de sorprender.
LA SOCIEDAD DE LA NIEVE / SOCIETY OF THE SNOW (España - Uruguay)
Disponible ahora en salas de cine, y a partir del 4 de enero en Netflix (con suscripción)
La apuesta española para competir en la categoría de Mejor Película Internacional del Oscar, que ha sido nominada ya al apartado de Mejor Película en Lengua Extranjera de los Globos de Oro, retoma el caso del accidente aéreo sucedido en una zona remota de los Andes a inicios de los ‘70 que fue llevado a la pantalla grande por Frank Marshall en la popular cinta hollywoodense “Alive” (1993).
Pero lo hace completamente en español, de la mano de un reparto conformado por uruguayos y argentinos y con un sentido de la autenticidad que se ve reforzado por los intentos hechos para reproducir minuciosamente el aspecto de las locaciones reales, tanto con la ayuda de tomas realizadas en el complicado entorno original como con la asistencia de sobreimposiciones digitales en los planos que fueron filmados en Sierra Nevada, España.
Claro que la novedad mayor es la decisión tomada por el director y coguionista J.A. Bayona (“The Impossible”, “El orfanato”) para colocar como protagonista y narrador a uno de los fallecidos, Numa Turcatti (interpretado por Enzo Vogrincic Roldán), lo que le permite ofrecer una perspectiva ausente en todos los trabajos guionizados o documentales del pasado. Sin tratar de ignorar las implicancias profundamente perturbadoras de los actos de canibalismo que terminaron cometiéndose, el cineasta plantea una suerte de pacto espiritual y comunitario destinado a salvarle la vida a quien se pudiera.
LA MEMORIA INFINITA / THE ETERNAL MEMORY (Chile)
Disponible en Paramount+ (con suscripción) y para renta en otras plataformas
Luego de meternos en un hogar de ancianos para seguir a un espía inesperado en “El Agente Topo” (2020), la directora chilena Maite Alberdi nos introdujo en el hogar de Augusto Góngora y Paulina Urrutia, una pareja indudablemente ilustre (él es un periodista reputado, ella una actriz reconocida) que se enfrenta a un drama especialmente complicado: el Alzheimer que afectaba al primero, y que fue debilitando cada vez más sus innegables cualidades intelectuales.
Como era de esperarse, el documental, que se grabó a lo largo de casi cinco años, tiene momentos dramáticos y dolorosos. Pero logra escapar del miserabilismo al que parecía estar condenado no solo por el modo en que se encuentra estructurado, sino por la calidad humana y los antecedentes de Góngora y Urrutia, quienes, a pesar de sus marcadas diferencias de edad, se involucraron en diferentes causas sociales a lo largo de sus vidas. La idea, en el fondo, es mostrar una historia de amor de la vida real que se mantuvo pese a las adversidades y gracias a los ideales compartidos.
Esto es particularmente evidente en el caso de Góngora, quien cumplió un papel decisivo en la difusión clandestina de noticias durante la dictadura pinochetista; pero la cinta no deja nunca de lado ni los esfuerzos monumentales que tuvo que hacer Urrutia para hacerse cargo de su esposo cuando la enfermedad se encontraba ya avanzada, ni sus propios aportes a la sociedad chilena, plasmados no solo en sus trabajos como intérprete teatral y televisiva, sino también en la labor que desempeñó como Ministra de Cultura durante el primer gobierno de Michelle Bachelet.
TRENQUE LAUQUEN (Argentina / Alemania)
Disponible para alquiler en Apple TV+
La extensión extrema de este trabajo (dura 260 minutos) no debería desanimar a los cinéfilos que se encuentren dispuestos a zambullirse por completo en una propuesta de carácter narrativo particularmente ambicioso que, una vez iniciada, no puede dejarse de lado, y que remite por ello a las sensaciones producidas por una buena novela.
El cuarto largometraje de Laura Citarella, quien es reconocida en su país como una de las voces más importantes del llamado Nuevo Cine Argentino, nos presenta inicialmente a Laura (interpretada por Laura Paredes, coescritora del guión), una joven bióloga cuya súbita desaparición en un pueblo del país sudamericano es el punto de partida de una búsqueda emprendida por su novio Rafael (Rafael Sprgelburd) y su compañero de trabajo Ezequiel (Ezequiel Pierri).
Para ser sinceros, las largas escenas entre Rafael y Ezequiel pueden llegar a ser agotadoras; pero una vez que se empieza a recrear la curiosa relación que existía entre el segundo y Laura, el asunto toma un vuelo tan imprevisible como fascinante que se ve incrementado en la segunda parte del trabajo, cuando aparecen nuevos personajes femeninos y se implementa un relato con claros tintes de ciencia ficción que, creanlo o no, involucra a una criatura del lago. El proceso es largo, pero vale completamente la pena.
EL CONDE (Chile)
Disponible en Netflix (con suscripción)
“El Conde”, un sorprendente filme en blanco y negro que se estrenó de manera limitada en salas antes de ser lanzado en Netflix, aprovechó no solo la temporada de Halloween, sino también el aniversario número 50 del funesto golpe de estado producido el 11 de septiembre de 1973 que puso a Augusto Pinochet en el poder para mostrarte a un conocido monstruo de la vida real como nunca lo habías visto.
Su director y coguionista, Pablo Larraín (“No”, “Neruda”, “Spencer”), apeló al sentido del humor para perderle completamente el respeto al fallecido dictador (interpretado por el gran Jaime Vadell) y transformarlo en un vampiro que abandona su mansión para buscar sangre humana, que lidia con unos hijos hostiles a la idea del trabajo y una esposa interesada, y que termina rindiéndose ante los encantos de la joven monja (interpretada por Paula Luchsinger) que contrata para revisar los documentos vinculados a negocios ilícitos que planea entregar a sus familiares.
Aunque se encuentra libre de grandes momentos de susto en el nivel visual, lo que presenta va revelando rasgos surrealistas que, sin abandonar nunca del todo un estilo narrativo convencional, remiten ocasionalmente a la obra de maestros como Alejandro Jodorowsky y Luis Buñuel, respaldados por una puesta en escena suntuosa.
EL HOYO EN LA CERCA / THE HOLE IN THE FENCE (México - Polonia)
Disponible para alquiler o venta en Prime Video
Las brutales desigualdades que existen en el seno de la sociedad mexicana, ancladas en el clasismo, el racismo y los hábitos patriarcales, han sido exhibidas en numerosas ocasiones dentro de las propuestas del prolífico cine azteca. Pero, de vez en cuando, surgen producciones con aproximaciones novedosas y arriesgadas al mismo fenómeno.
Ese es el caso de “El hoyo en la cerca” (“The Hole in the Fence”), que se presentó por primera vez en el verano de 2021 pero que llegó recién de manera limitada a L.A. en mayo del 2023, y cuyo director y coguionista Joaquín del Paso ubica en una zona rural, más precisamente, en un campamento organizado por una escuela privada y extremadamente religiosa que reune tanto a un numeroso grupo de pre adolescentes del mismo sexo (todos son varones) y a sus profesores, guías y entrenadores, igualmente hombres.
El campamento, cercado por una valla metálica, se encuentra cerca de un pueblo indígena habitado por personas de bajos recursos que, inicialmente, parece verse beneficiado por la visita de estos personajes acaudalados, pero que termina viéndose involucrado en una suerte de experimento retorcido destinado a formar a los “líderes del mañana” y con ecos a Michel Franco, Ari Aster y “Lord of the Flies”.
Pese a que el relato (que no se basa en ningún hecho específico de la vida real y es evidentemente alegórico) empieza a tomar un camino un tanto confuso en su parte final y a que algunos de los personajes caen en el estereotipo, el conjunto es ciertamente poderoso, respaldado por una puesta en escena de primer nivel y unos actuaciones infantiles que no dejan nunca de sorprender.
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